EL DESARROLLO DEL ARTE INFANTIL Y CONDUCTAS ARTÍSTICAS EN LA ESCUELA
EL ARTE INFANTIL
Las imágenes son las responsables de que las personas conozcamos a los demás, a los animales, ciudades, paisajes, objetos, etc, forman parte de nuestra vida cotidiana y hacen que modelemos nuestro comportamiento, actitudes y valores. Algunas de estas imágenes tienen un significado simple y otras un alto contenido simbólico, estético… Los niños y niñas adquieren rápidamente ideas sobre lo que es bonito y atractivo o feo y desagradable y utilizarán esos criterios en sus decisiones del día a día. En sus obras se puede apreciar una evolución a la hora de representar la figura humana, los árboles o las casas durante sus años en la escuela. También son capaces de inventar divertidos juegos simbólicos en los que cualquier objeto represente el escenario o el instrumento deseado.
Existen muchísimas imágenes u objetos que adquieren una gran relevancia social, por ejemplo, las obras de arte, la literatura, la música, la danza, el teatro…
Un medio de expresión básico en la infancia es el arte, ya que a través de éste, los niños y niñas representan sus pensamientos, sentimientos e intereses y demuestran el conocimiento que poseen del ambiente que les rodea. A medida que van creciendo van percibiendo el mundo de forma diferente, por lo que la manera de expresar su realidad va cambiando. Cuando a los adultos no les gusta cómo se expresan plásticamente los niños, surgen dificultades para los pequeños ya que les impiden utilizar el arte como una forma de comunicación e intentan cambiar y adaptar sus obras al gusto del adulto. Es evidente que el desarrollo infantil, no puede medirse por los cánones de belleza de los adultos debido a que en la infancia lo que importa verdaderamente es el proceso que se desencadene a la hora de realizar una obra y no sólo fijarse en el mero resultado o producto que puede ser debido a diversas circunstancias.
El docente debe comprender que lo realmente importante, no es lograr que el niño aprenda las respuestas que satisfagan a los adultos, sino que logre su propia respuesta dando salida a sus sentimientos y pensamientos según su nivel de desarrollo o momento que esté pasando en su vida. Comprendiendo la forma en que un niño dibuja y los métodos que usa para representar su ambiente, podemos penetrar en su comportamiento.
Pienso que para interpretar el desarrollo de las actividades artísticas y creativas de los pequeños es necesario conocer las distintas etapas de desarrollo por las que pasan y sus niveles de alcance en el arte. A medida que los niños cambian, también varía su expresión creativa. Los niños dibujan atravesando etapas bastante definidas que parten de los primeros trazos en un papel y van progresando hasta los trabajos de la adolescencia.
Un autor que trabajó mucho en este tema fue Lowenfeld que describe los comienzos de la expresión gráfica con el período o estadio del garabato (2-5 años), el niño de esta edad, hace trazos desordenados en el papel, que poco a poco se van organizando y controlando, dentro de esta etapa, enumera diferencias como: el garabato sin finalidad, garabato con sentido, garabato imitativo y garabato localizado, como transición hacia la línea, a los 4 años, cuando las figuras dibujadas comienzan a ser reconocibles. Entre los 5 y 6 años, estadio preesquemático, establece el simbolismo descriptivo, como la representación de la figura humana más o menos con exactitud, aparecen los primeros intentos de representación. Posteriormente, de 7 a 9 años se da el realismo descriptivo, estadio esquemático, es cuando el niño/a trata de comunicar todo lo que le interesa representando mejor los detalles. El desarrollo en el arte es continuo y estos estadios son puntos intermedios en el curso del desarrollo.
No todos los niños/as pasan de un estadio o etapa a otra en la misma época. Sin embargo, excepto para el caso de los niños y niñas discapacitados/as mentales o el de los superdotados/as, estas etapas se suceden ordenadamente, y la descripción de cada una es un elemento importante para comprender las características del alumno y su capacidad artística en un momento determinado, lo que el niño está dibujando, es lo que tiene importancia para él en dicho momento.
Los dibujos de los niños y niñas nos permiten apreciar que comienzan desde un punto de vista egocéntrico, para ir adquiriendo progresivamente una mayor conciencia de sí mismo como parte integrante de una sociedad organizada.
Como afirma Lowenfeld (y es por todos conocido), el aprendizaje de un niño, tiene lugar en su interacción con el ambiente que lo rodea. Mucho antes de empezar a trazar las primeras líneas en una superficie, sus sentidos tienen los primeros contactos con el medio y reacciona ante experiencias sensoriales como tocar, oler, ver, gustar o escuchar. Es en la primera infancia, cuando el niño comienza a establecer los primeros aprendizajes y actitudes para seguir creciendo y desarrollándose como persona íntegra en la sociedad, acto que consigue a través de sus sentidos y que potencia el arte. Cualquier forma de percibir y de reaccionar frente al medio, es la base para la producción de formas artísticas.
Una vez explicada la idea de lo que es el desarrollo artístico del niño en la escuela, pasaré a comentar lo que es y no es Educación Artística.
Educación Artística es:
- Una materia o asignatura obligatoria del currículo de Primaria y Secundaria y una de las áreas de actividades en la Educación Infantil. En la actualidad, esta materia incluye muy variadas estrategias y sistemas de creación de imágenes y objetos, como la fotografía, el vídeo, el ordenador, etc, lo que implica el uso de diversos materiales.
- La asignatura de Educación Artística no incluye todas las manifestaciones artísticas (música, danza…) sino que se refiere principalmente a las artes visuales.
- Esta asignatura debería llamarse artes visuales ya que en la escuela damos por descontado que siempre se trata de educación.
Educación Artística no es:
- Una materia diferente a las otras del currículo escolar, ni menos académica que las demás ya que la mayoría de los aprendizajes más valiosos que se llevan a cabo en ésta no son de tipo memorístico, ni hay una única respuesta correcta para la mayoría de las preguntas y problemas.
- Sólo para los que tienen cualidades artísticas ya que como en todas las materias y actividades escolares hay personas que destacan por su interés.
- Realizar exclusivamente ejercicios de dibujo libre y de dibujo geométrico o técnico.
- Hacer imitaciones de cosas bonitas que parezcan obras artísticas o decorativas debido a que los niños y niñas tienen sus formas y modos de expresión propia con valor por sí mismas.
- Reproducir sino por el contrario desactivar los prejuicios habituales sobre el arte en nuestra sociedad, por lo que en Educación Artística hay que lograr un cambio de actitud que valore positivamente los esfuerzos creativos por descubrir nuevas imágenes, formas y conceptos visuales.
- Exclusivamente creatividad, aunque sí es muy importante.
- Una materia con conocimientos cerrados y concluidos sino que se trata de una materia abierta.
CONDUCTAS ARTÍSTICAS EN LA ESCUELA
Como he comentado anteriormente, los seres humanos conocemos el mundo a través de nuestros sentidos. Los procesos y mecanismos de percepción visual pueden explicar el interés de muchas imágenes. Los dibujos infantiles se caracterizan por su espontaneidad, frescura y libertad, en ellos encontramos la esencia de la creatividad, originalidad, innovación y emoción.
El desarrollo de la creatividad ha sido durante un largo período de tiempo, el objetivo primordial de las propuestas educativas en el campo de la Educación Artística, éste es un término bastante amplio que tiene mucho que ver con la innovación y la originalidad en muy diversas actividades. La creatividad es uno de los motores que puede llevar a la humanidad al progreso y a la mejora de las condiciones de vida y sería muy bueno poder aplicarla a todos los ámbitos de la vida social.
Hoy, la creatividad es considerada como una cualidad de la inteligencia que puede ser desarrollada a través de la educación. Se puede considerar como cualquier aportación valiosa y novedosa, concebida como una característica de la persona, como un proceso y una capacidad para la resolución de problemas. La originalidad se ha considerado como el rasgo más característico de la creatividad. Normalmente a una obra de arte se le ha exigido para considerarla como creativa que aporte algo nuevo, diferente a todo lo que existía en ese momento.
Wallas propuso cuatro etapas en el proceso creativo:
- Preparación: recolección de información enfocando los detalles del problema.
- Incubación: nuestro inconsciente trabaja en el problema.
- Iluminación: soluciones intuitivas aparecen espontáneamente o como resultado de un esfuerzo consciente.
- Verificación: las soluciones son organizadas y probadas lógicamente.
Foustier y de la Torre proponen tres métodos para desarrollar la creatividad, que pueden aplicarse a la enseñanza.
à El método analógico, emplea las relaciones de semejanza. El método consiste en descubrir cuáles son las relaciones que existen entre objetos, situaciones, etc. para facilitar la resolución de problemas planteados.
à El método antitético persigue la liberación mental mediante ejercicios que nos permitan despegarnos de las reglas establecidas social y personalmente. Se trata de construir algo aportando soluciones mejores que las que ya existen.
à El método aleatorio consiste en la posible asociación de dos conceptos generando un nuevo concepto. Las asociaciones pueden provocarse relacionando una lista de objetos que aparente e inicialmente no guarden ninguna relación explícita entre ellos. El encuentro entre ellos podrá suscitar un descubrimiento.
Otra conducta artística a destacar es la imaginación que se caracteriza por la capacidad de crear mundos fantásticos íntimos y propios donde el sujeto es generalmente el protagonista y donde no existe ni límites ni restricciones de ninguna clase para el impulso de su libertad. Consiste en formar representaciones de objetos, cosas, situaciones, etc. No es sólo una representación y actualización del pasado, sino que abarca también la posibilidad de proyección en el futuro.
Siguiendo con este tipo de conductas, hablaré ahora de la percepción visual:
En los procesos perceptivos, es el sentido de la vista el que tiene mayor protagonismo ya que gran parte de la información que recibimos es información visual que adquiere una enorme importancia para el aprendizaje y la construcción del conocimiento. Nuestro sistema perceptivo es capaz de abstraer, generalizar, relacionar, etc.
Todo lo que percibimos de manera visual se debe a la existencia de la luz que incide en los cuerpos haciendo que éstos reflejen o absorban parte de su espectro, generándose la sensación de color y configurando formas y espacios. Esta capacidad física recibe el nombre de luminancia o reflectancia.
La luz crea espacios y nos ayuda a visualizar la tercera dimensión creando profundidad. Las formas de incidencia de la luz contribuyen en mayor o menor medida a generar sensaciones o ilusiones en el espacio. La utilización de las sombras y el claroscuro genera en el espectador una ilusión de tercera dimensión posibilitando una percepción que se asemeja a la realidad visual.
La capacidad de apreciar el color es una de las características que definen la percepción de los seres humanos. Existe una estrecha relación entre luz y color. La luz blanca o visible está compuesta de diferentes colores. Haciendo incidir un haz de luz blanca sobre un prisma de cristal se observa cómo se proyectan siete franjas de diferentes colores: rojo, anaranjado, amarillo, verde azul, añil y violeta. A esta gama de colores que configuran el arco iris se les denomina como espectro de luz visible. Cuando la luz llega a un objeto, una parte de ésta se absorbe y otra se refleja, llegando a nuestros ojos. El color de la luz reflejada determina el color del objeto. Un objeto que absorbe todos los colores es negro y uno que refleja todos los colores será blanco.
Las aportaciones de la Teoría de la forma o “Gestalt”.
La Gestalt considera la percepción como una experiencia directa y estructurada de la realidad exterior. El movimiento gestáltico se desarrollo en los años 1020-30, esta teoría fue elaborada por tres autores alemanes: Wertheimer, Köhler y Koffka. Si aplicamos las teorías gestálticas a la expresión artística descubriremos cómo las cualidades expresivas de las obras artísticas están relacionadas con los aspectos formales.
La experimentación de la Gestalt se orientó a demostrar que el aspecto de cualquier elemento depende de su lugar y función dentro de un esquema global.
Leyes de la Gestalt:
- Ley de la proximidad: ante varios estímulos iguales se tiende a agrupar en un conjunto homogéneo aquellos que se encuentran más próximos entre sí.
- Ley de la semejanza: se tiende a agrupar en un conjunto homogéneo aquellos estímulos que son semejantes entre sí.
- Ley de la uniformidad: se tiende a percibir como un todo los objetos o líneas que mantienen una misma dirección.
- Ley del movimiento común: ante un conjunto de elementos percibimos como un todo aquellos que se desplazan a la vez, y en la misma dirección, aún siendo los más próximos entre sí.
- Ley del cierre: al agrupar los elementos se tiende a hacerlo de tal modo que el resultado sea una figura cerrada en sus contornos.
- Ley del contraste: la percepción del tamaño de un elemento resulta influida por la relación que éste guarda con los demás elementos del conjunto.
Las ilusiones ópticas se producen del siguiente modo: la luz llega a nuestra retina de modo semejante a como llega hasta la película fotográfica. La luz-imagen llega a nuestro ojo-cámara, penetra a través del iris-objetivo, atravesando el cristalino-lente, la cámara oscura-humor vítreo y finalmente se proyecta en la retina-película sensible. La diferencia radica en que la película fotográfica simplemente registra las diferencias luminosas, mientras que el sistema perceptivo-visual humano ve un mundo con el que interactúa, interpretándolo y transformándolo.
Percibimos el tamaño de los objetos en relación con el contexto, ya que éste puede influir de manera que la forma de los objetos se vea alterada.
Una ilusión muy frecuente es la del movimiento, ha tenido una gran difusión y ha alcanzado altas cotas artísticas en el cine. Los fotogramas son imágenes fijas que pasan a una velocidad de, aproximadamente 25 fotogramas por segundo, produciendo una sensación de movimiento.
La posición en la que vemos una forma o imagen puede cambiar su significado o interpretación por el espectador.
La inteligencia espacial se ha definido como la capacidad de los seres humanos para asimilar conocimientos, recordar acontecimientos, razonar de manera lógica, manipular conceptos, traducir lo abstracto en concreto o lo contrario, analizar y sintetizar formas, enfrentarse y resolver con eficacia los problemas de cualquier tipo y priorizar lo más importante en un conjunto de situaciones. En lo que se refiere a las artes visuales, la inteligencia espacial es aquella que está relacionada con la percepción, transformación y representación de figura y elementos en el espacio.
Opiniones de algunos autores:
Arnheim defiende que existe una interacción estrecha entre ver y pensar, y que por lo tanto la enseñanza de las artes plásticas, al desarrollar la percepción visual es clave del pensamiento. Hasta hace muy poco se pensaba que no existía una vinculación directa entre la inteligencia y las capacidades artísticas.
Gardner defiende que existen siete tipos de inteligencia: musical, cinético-corporal, lógico-matemática, lingüística, espacial, interpersonal e intrapersonal.
La percepción visual tiene una evolución propia en el individuo, que se produce en un medio natural y cultural determinado. La cognición y el aprendizaje conllevan la activación de manera unitaria de procesos como: pensamiento, lenguaje, percepción visual, sensación, memoria, atención, imaginación.
Las teorías de Vigotky defienden el origen histórico y socio-cultural de las funciones psíquicas superiores de los seres humanos. La formación de conceptos es el resultado de una actividad compleja que implica a las funciones intelectuales básicas, coordinadas por el lenguaje.
Lowenfeld, como comenté anteriormente, defiende que la Educación Artística es la única disciplina que se concentra en el desarrollo de las experiencias sensoriales. La experimentación con las texturas, el color, la forma, son actividades en las que se puede encontrar placer y alegría.
J.A. Marina defiende que la inteligencia es algo más que razonar o resolver problemas formales y señala el modo libre de aprender de los niños como clave del aprendizaje y dominio de las facultades mentales.
El pensamiento es sinónimo de inteligencia y ésta, es la capacidad de adaptar el pensamiento a las necesidades que plantea la vida y la facultad para dar sentido a lo que nos rodea, estableciendo conexiones, significaciones y relaciones. La palabra símbolo significa juntar, reunir. Se trata de una representación, gracias a la cual, los seres humanos somos capaces de asociar una realidad a otra cosa. Cuando hablamos de pensamiento simbólico nos referimos a la capacidad de pensar, imaginar o crear por medio de símbolos. Las artes visuales tienen capacidad propia para expresar emociones y sentimientos a través de símbolos que no pertenecen a los ámbitos verbales sino al de las imágenes.
Según Piaget la capacidad de abstracción permite conceptuar los objetos aunque no estén presentes. El pensamiento simbólico de los niños se manifiesta en sus juegos, dibujos y en el uso del lenguaje.
Para Gombrich, en lo que se refiere al arte de los niños, señala las diferencias entre la intencionalidad de los dibujos infantiles y las de los adultos. Los niños utilizan fórmulas o equivalentes simbólicos que representan objetos del mundo. La evolución de los dibujos infantiles hacia el realismo obedece a una imitación de las personas adultas.
La comprensión de los símbolos es imprescindible en todos los ámbitos de la vida, de aquí la gran importancia del pensamiento simbólico para la educación. Dorfles dice que, independientemente de la voluntad del artista, toda obra de arte nos comunica algo.
Por último decir que, bajo mi punto de vista, en toda creación lo más importante es el proceso y no el producto ni el resultado.
+017.JPG)
+015.JPG)
+006.JPG)
